Técnicas avanzadas de masterización

Técnicas avanzadas de masterización

Introducción
Hay quien opina que la masterización no existe, que es un parche a una mala mezcla. Realmente, aunque no estoy totalmente de acuerdo, no deja de tener razón. En general, una buena mezcla requiere un proceso posterior mínimo. El problema es que, durante el proceso de la mezcla, se tiende a equilibrar unas pistas con otras sin tener claro cómo debe sonar el conjunto ?acrecentado por la fatiga auditiva?. Esto se evitaría en gran medida teniendo una pista como referencia constante durante la mezcla o usando un analizador de espectros.
Entonces, ¿cuál es el objetivo de la masterización? En primer lugar, conseguir uniformidad entre las pistas, de forma que no existan grandes diferencias de sonido dentro de un mismo trabajo; conseguir que suenen igual en cualquier equipo de audio, corrigiendo picos que han pasado desapercibidos en los monitores de referencia usados en las mezclas; y ganar algunos dB de volumen medio. En este último punto hay una gran polémica, pero esta nueva tendencia de apurar al máximo el volumen de una canción tiene su explicación en la psicoacústica. Para el oído humano, una canción que tiene más volumen que otra es percibida como mejor de forma inconsciente. Este curioso efecto es el motivo por el que se tiende a comprimir y limitar al máximo posible cada pista, consiguiendo, en muchos casos, que la pieza pierda toda la dinámica, siendo este un terrible error.
Propongo una situación real y habitual: acabas de terminar de mezclar unos temas y te gustaría que sonasen correctamente en cualquier sistema de audio y que tuvieran coherencia entre ellas. Sin duda necesitan una masterización, un ajuste común y preciso. Por tanto, coges tus pistas y las cargas en tu editor de audio y te dispones con tus bien conocidos monitores de campo cercano a masterizarlas... Sin duda estás comiendo de entrada tres errores bastante importantes: primero, nunca se debe masterizar sin descansar los oidos. Unos oídos viciados tenderán a destacar frecuencias en la mezcla; en segundo lugar, unos monitores de campo cercano no son lo más apropiado para masterizar, al no ofrecer una respuesta clara y amplia de todo el espectro; y en tercer lugar, tú no deberías nunca masterizar tus propias mezclas, puesto que hay detalles que ya pasas por alto por el vicio de escucharlos una y otra vez. Por tanto, lo mejor es recurrir a un buen profesional siempre que se pueda.

Las condiciones ideales de masterización distan en muchos casos de la mayoría de los estudios de grabación de cualquier categoría. Para estos menesteres se requiere una sala tratada acústicamente, para ofrecer una respuesta equilibrada en todas las frecuencias. No se trata de crear una cámara anecoica; consiste en evitar realces de frecuencias y rebotes dañinos para una correcta audición. Los altavoces son un punto clave: necesitamos escuchar todas las frecuencias sin coloraciones. Es un error habitual en los monitores de campo cercano y, en menor medida, en los de medio campo, su incapacidad para reproducir frecuencias graves, siendo atenuadas las frecuencias por debajo de los 70 Hz. Por tanto, unos monitores de campo lejano, multivía y habitualmente empotrados, serían el punto de partida ideal para la masterización. Es muy importante, además, disponer de escuchas de distintos tamaños y calidades para poder chequear el material en condiciones cercanas a las que dispondrá el receptor final.
La gran polémica surge en cuanto a qué elementos (y en qué orden son adecuados) para una masterización. En el artículo anterior se sugería el sistema del Finalizer. Sin duda hay cosas fundamentales que no deben faltar en una cadena de masterización: un ecualizador, un compresor y un limitador. Personalmente, no podría vivir sin un compresor multibanda y un par de conversores M-S (este elemento lo analizaremos más adelante) y, sin duda, es muy socorrido un excitador aural, pero la gran pregunta es ¿software o hardware? La respuesta: da igual, pero ha de ser de primera calidad. En general, la alternativa software suele ser más barata a igual calidad. Hoy en día, la solución software es la que ofrece mejor calidad-precio. Existen numerosos paquetes de primerísima línea de Waves, Spectral Design y TC, entre otros. Un ecualizador mediocre o un compresor de baja calidad puede destrozar una mezcla. En cualquier caso, la clave de todo el proceso es que la masterización no arregla una mala mezcla.
La normalización
Uno de los objetivos principales de la masterización de un disco es que las canciones sean percibidas a un mismo nivel medio. Cuando empiezas el ajuste de varias pistas, el primer paso lógico es normalizarlas de forma que el pico de volumen más grande coincida con el máximo permitido. En principio esto es innecesario puesto que, mediante la compresión y limitación, vamos a ajustar las pistas para que suenen todas a un volumen medio similar y al normalizar podemos perder sutilezas. Sólo cuando una pista muestre un volumen demasiado bajo se requeriría una normalización. Además, en ese caso, si la pista fue mezclada a 16 bits, la normalización puede aumentar el nivel general del ruido de la pista, con lo que es más conveniente volver a la mezcla y subir el nivel de la mezcla.
Compresión multibanda
Con un compresor multibanda se pueden hacer ajustes muy precisos sobre las distintas bandas. Son útiles para destacar o atenuar instrumentos o frecuencias descontroladas. La diferencia más importante con la ecualización es que la ecualización recorta las frecuencias seleccionadas en todos los casos, mientras que un compresor ajustado a una banda de frecuencias sólo actuará cuando el volumen de esa banda supera el umbral establecido. El compresor multibanda es muy útil para retocar el equilibrio espectral, pero adquiere su mayor esplendor cuando se usa en modo M-S.
Modo M-S
Sin duda uno de los procesos más útiles para hurgar en las entrañas de la mezcla. La conversión M-S consiste en convertir una mezcla de dos canales L-R (izquierda ? derecha, una mezcla estéreo normal) en el formato de dos canales M-S (centro-estéreo), de forma que el canal M contiene la información que se escucha en el centro de la mezcla y el canal S sólo la información estéreo. El canal S consiste en la señal resultante de restar al canal izquierdo el derecho. El canal M es la suma de la señal resultante de sumar el resultado de restar a cada canal la señal S.
M = (L-S)+(R-S) ; S= L-R
Para devolverlo al formato L-R, sólo hay que hacer pasar de nuevo el audio por otro conversor M-S.
Generalmente, en una mezcla solemos disponer en el canal central de la voz, el bajo, el bombo, la caja y algún instrumento solista y en el canal del estéreo suelen estar charles, rebotes de los ecos, reverberación e instrumentos de adorno. Supongamos que tenemos una mezcla en la que la voz suena demasiado alta; es un gran problema. Si intentamos atenuarla mediante ecualización, probablemente perdamos las guitarras ?panoramizadas a los lados?. Si montamos la siguiente cadena...

...y ajustamos el compresor multibanda en la banda de la voz, podremos atenuar únicamente la voz sin dañar el resto de los instrumentos.
Excitador aural
Este elemento fue en el pasado utilizado ampliamente. Cuando la tecnología musical estaba bajo mínimos, las mezclas eran bastante opacas y llegó a ser tan imprescindible que su inventor sólo los alquilaba. Su principio activo se basa en la restauración de armónicos perdidos durante el proceso de la mezcla, añadiendo brillo. En la actualidad, basándose en el mismo principio, han aparecido un nuevo tipo de excitadores que añaden presencia en el espectro de los graves o incluso los que permiten la selección de la frecuencia central. Con la mejora de los procesos de grabación y mezcla, su uso ya no está tan justificado, aunque en muy pequeña cantidad puede añadir ese brillo que suele faltar en los masters. Es un efecto con el que es muy fácil pasarse, porque el oido se acostumbra muy rápidamente y se tiende a añadir más de lo necesario.
Los medidores
 Para poder ajustar el nivel entre canciones, es necesario usar medidores fiables. Los vúmetros incorporados en las mesas de mezclas y en los programas suelen ser medidores que reaccionan muy rápido a los transitorios, ideales para evitar distorsión y saturación que, por otro lado, es tan peligrosa en la grabación digital y aparece en cuanto superas los 0dBFS (FS = fondo de escala). Realmente, nuestro oído no escucha así. Aunque tengamos dos canciones cuyos picos máximos llegan al mismo nivel, el volumen medio puede ser diferente. Para poder medir eso, es necesario la utilización de medidores que funcionen en modo RMS (Root Mean Square). Una medidor en modo RMS proporciona el valor eficaz del volumen. Esta forma de medir es más parecida a la forma que tiene el oído humano de escuchar, motivo, además, por el que los medidores analógicos se siguen usando aún en nuestros días.
Software de masterización
Como comenté al principio del artículo, las soluciones en software para masterización ofrecen mayores ventajas que sus equivalentes en hardware. Realmente, se puede masterizar con cualquier programa que permita añadir plugins de efectos y modificar sus parámetros en tiempo real, con lo que abre mucho nuestro abanico, pudiendo ser desde un secuenciador (Pro Tools, Nuendo, Logic, etc.) hasta un editor de audio (Spark, WaveLab, SoundForge, etc.) o un programa especializado (T-Racks).
Entre los editores de audio, los más especializados son Spark y WaveLab. Spark permite el ruteo de la señal a través de distintos efectos, pudiendo separar los canales y procesarlos independientemente de formas muy complejas. WaveLab trae un rack que permite la carga de varios efectos simultáneos y tienes opciones avanzadas de análisis del audio. Existen otras opciones como Peak o SoundForge, pero dan menos facilidades a la hora de masterizar.
El T-Racks 24 es un programa de masterización integrado completamente autónomo. Se basa en la emulación de procesadores de válvulas y no soporta plugins de ningún tipo.
Dentro de los paquetes de efectos en plugins, confesaré que tres son mis favoritos: DSP-FX, Steinberg Mastering Edition (diseñados por Spectral Design) y los de Waves.
DSP-FX es un paquete con algunos años que funciona como plugin DirectX y Saw que contiene varios procesadores (reverbs, chorus, eco) y, en especial, un excitador aural (Enhancer) y un limitador (Optimizer) fabulosos. Su interfaz es bastante antiguo, pero su sonido es fantástico. En particular, el medidor del limitador es muy útil para ajustar el volumen relativo entre las pistas.
El Steinberg Mastering Edition es un paquete de plugins DirectX, VST y WaveLab que contienen un buen surtido de procesadores especialmente dedicados para la masterización que contienen todos los elementos necesarios para realizar una masterización completa. Son plugins de primera calidad entre los que se encuentran el popular FreeFilter (un ecualizador gráfico con funciones de adaptación de curvas de ecualización), el Loudness Maximizer (un limitador bastante musical) y el MultiBand Compressor es un buen compresor/expansor multibanda.
 Waves proporciona varios paquetes de plugins, algunos de ellos muy apropiados para la masterización. En particular, es muy popular el L1-Ultramaximizer, un limitador maximizador para masterización y el Ressinance Compressor, un estupendo compresor que puede emular varios tipos de compresores, muy suave y cálido. El L1 me resulta demasiado bruto con la limitación y, de todos los limitadores comentados en este apartado, es el que más deteriora el sonido, cortando muchas veces los picos. Recientemente, Waves ha presentado el L2, descendiente de su versión en rack y que mejora mucho en musicalidad el resultado.
Existen otras opciones de muy buena calidad, como el paquete de plugins TC Native Bundle, que ofrece un surtido de herramientas aptas para masterización y, en forma de programa autónomo, Emagic Waveburner Pro, ideado para la masterización y grabación de masters en CDs.
Hardware de masterización
En este apartado existen numerosas opciones posibles, siendo muy habituales los equipos antiguos a válvulas. Últimamente han ido apareciendo algunas soluciones "todo en uno" de mano de dbx (Quatum y Quatum II), Drawmer (Masterflow DC2476) y los más populares de TC Electronic con su gama Finalizer, Finalizer 96K y Plus.

Los secretos del ritmo a la hora de componer

 Muchas veces nos dedicamos mucho tiempo a la armonía, a la progresión de acordes, y la teoría, y buscamos hacer las cosas más complejas de los que son, pero perdemos de vista uno de los aspectos mas importante de la música: El ritmo.

En este artículo nos adentraremos a como explotar el ritmo, a cómo sacarle el jugo, para que a partir de una simple progresión de acordes o base, simplemente cambiando la forma de acentuar, los tiempos en los que se golpean, la duración como una base puede cambiar y generarse distintos efectos rítmicos.
La base que usaremos es siempre la misma a lo largo de todos los ejemplos, es decir se usara la misma base de batería y bajo y la misma progresión de acordes, al mismo tempo.  Lo único que cambiara es como suena el teclado, y en los tiempos que golpeara para generar distintos efectos y ritmos según queramos usar.
La cadencia es 6 compases de 4 tiempos y cada acorde dura 2 compases. Los acordes son am-F-G, nada súper complicado sino más bien básico. En otras palabras 2 compases de La menor, 2 compases de Fa mayor y 2 compases de Sol mayor y vuelta a empezar la cadencia.

Si bien los ejemplos estan con piano pueden usarse con guitarra u otro instrumento. Al final del articulo pueden descargar los ejemplos en formato guitar pro.
La base

En este ejemplo de la progresión vemos que los acordes solo golpean en el primer tiempo de cada compas. Da esa sensación de aire y reposo.



A sincopado

En realidad, no varía mucho de la base principal, salvo el piano se adelanta un golpe. Es decir, los acordes del piano golpean en la última corchea compas del acorde anterior. Esto da una sensación de movimiento, de empujar hacia adelante.

Golpes fuertes

En un ritmo, 4/4 como este. Los golpes fuertes son el primero y el tercero. Aquí hemos cortado los acordes en dos. La tónica del acorde o el bajo y el resto de la triada. El bajo golpea en los tiempos fuertes, mientras que las notas mas agudas golpean en los tiempos débiles. Aquí también hemos  utilizado golpear en la ultima corchea del compas para dar esa sensación de movimiento.

Ritmo corcheas

aquí el ritmo esta compuesto por corcheas a que también golpean en los tiempos fuertes. Para marcar mas los ritmos se utilizan los silencios.



Arpegiado

Otro truco consiste en remover notas  de los acordes para producir una sensación de riff o arpegio casual

Staccato

Simplemente corcheas con staccato para producir ese ritmo tan cortante y particularmente tan violento.

Jugar con el bajo

Otro buen recurso consiste en jugar con el bajo para generar una variación bastante singular.

Inversiones

Los acordes están compuestos por 3 notas de la escala (1-3-5), por ejemplo el acorde de La menor se arma con la triada: La-Do-Mi. Simplemente, el truco consiste en dar vueltas las notas y alterar el orden de las mismas. Siguen sonando las mismas notas solo que en distinto orden de agudos a graves: esto se conoce como inversión.
Las inversiones de primer grado ( o 1en6: 3-5-1. Ej: do-mi-la ) y de segundo grado (conocidas como 6/4: orden de las notas: 5-1-3 ej. mi-la-do )

Si no entendiste nada de lo que hablo, el truco simplemente consiste en cambiar el orden de las notas del acorde.
Conclusión:
Hemos visto que a partir de una simple base y progresión de acordes, se pueden lograr distintos efectos rítmicos, algunos mas marcados, otros más violentos, otros de mayor reposo y otros mas melódicos simplemente cambiando un solo instrumento. La cuestión es no descuidar la forma en que tocamos los acordes pues esto influye muchísimo en el ritmo y en la percepción de la canción.

Muchas veces es un buen recurso tocar de distintas maneras para distintas secciones de la canción pues como hemos visto generan diferentes sensaciones.

Hacer una melodia a una acapella

Una de las cosa mas dificiles de hacer es sin dudas una base melodica para una acapella,por que?
una cosa es crear una melodia para luego adecuar una letra y otra muy distinta es a partir de una letra crear una melodia.
antes de empezar a explicar quiero aclarar que esta es mi forma de crearla,ya que es mi estilo y lo he dicho anteriormente,todos tenemos un estilo y debemos forjarlo.digo esto por si alguien lo hace de otra manera,esta comunidad es para compartir tus conocimientos y adquirir otros,si sabes ,demuestralo...

hay ciertos factores a la hora de componer dicha melody que debemos respetar,factores que desarrollare a continuacion...
cuando alguien te trae un demo,osea una cancion grabada ya sea de forma casera o en un estudio de grabacion,te esta cofiando su tema a ti y lo mas seguro es que te diga que quiere esto,aquello,lo otro,esto tambien.y no es asi ,el solo te tiene que decir que tipo de tema quiere:romantico,tiraera,malinteo,ect.que no te ponga condiciones porque no podras desemvolverte a la hora de la creacion melodica por miedo a no gustar,y creeme que es asi.es por eso que no se metan en tu trabajo,tu sabes como hacerlo.


cuando te den una acapella,tienes que escucharla una dos,y tres veces ,cuantas veces haga falta hasta que sepas diferenciar los arranques,los ritmos,las pausas,las repeticiones,el rapeo,la lirica,etc.
para eso tomaremos un tema cualquiera,un clasico mejor,que tal sexy movimiento de wisin y yandel.imaginemos que los extraterrestres traen su tema recien salido del horno y nos encargan la melodia a nosotros.la subimos a la pc para escucharla y trabajarla.veamos:

una vez que la escuchamos unas cuantas veces nos damos cuenta de las diferencias ritmicas de la cancion,es decir ,las velocidades de nuestros artistas van variando a medida que lo hace la cancion,bueno un punto a nuestro favor:sabemos en donde alterar el tempo de nuestra melody,para demostrarte esto voy a tomar por fragmentos la cancion sexymovimiento ok.


Tienes un cuerpo brutal (Woooooo...!)
Que todo hombre, desaria tocar (woooooo...!)
Sexy movimiento (Oh, Oh, Oh...!)
Y tu perfume combinao con el viento (Que rico, huele...!)
Tienes un cuerpo brutal (Woooooo...!)
Que todo hombre, desaria tocar (woooooo...!)
Sexy movimiento (Oh, Oh, Oh...!)
Y tu perfume combinao con el viento (Que rico, huele...!)



es muy bueno acompañar ciertas partes de una cancion,con un sonido que le haga de eco a la voz(estos sonidos son largos y graves).
la voz de yandel en esta ocacion es suave y lenta,para estos casos no uses muchos sonidos,y si los usas, que no sean muy agudos por que sobresaleran por encima de tu cantante.
el estribillo se repite, tu tambien repite la melodia,aqui puedes agregar sonidos casi imperseptibles para variar la segunda repeticion.
ahora llegara el momento de wisin,como decia hace un rato este canta mas velozmente que su amigo,y nuestra melody debe acompañar la velocidad debidamente.por lo general las melodias del rapeo suelen ser repetitivas en el sentido del acompañamiento:
,para darle pie a wisin te recomiendo que utilises un efecto de sonido:

(sonido/efecto)

Mami te noto, mohosa..
Y tu eres, otra cosa...
Prendete, y ponte rabiosa..
Y sin pensarlo, mi hermosa..
El momento, se goza..
Te roza..
Todo una diosa..
Que poderosa..
Cenicienta..
Mata con la vestimenta..
Echa pimienta..
Y se mi sirvienta..
Representa...
Usa las herramientas..
Y enseguida me tienta..
Con un beso, de menta..

tan,tin,tintin,tan,tin(es constante,y repetitivo ya qe siempre va a tiempo)


nuevamente el estribillo,no cambia en nada la melodia ojo! no estamos hablando del dembow.
aqui yandel extiende su participacion co:


Me desespero.. 1
Quisiera, sentir tu cuerpo.. 2
Es el momento.. 3
De venir a mi, no pierdas mas tiempo... 4


debes hacer otra aqui pero al ser mas cantada y con mas pausas te recomiendo que en los lapsos 1,2,3,4 le hagas un seguimiento con un efecto,grave y suave.
otra vez wisin,si oimos tiene otra vez la misma velocidad para la cual repetiremos la melodia y agregaremos mas efentos(campanas,sonidos brillantes,melodias secundarias o de complemento) para diferenciarla de la que ya pusimos...


En la mano, un vaso..
En el pelo un lazo..
Maquilla, con su cartera, nunca pierde el paso..
Jamas, ah perdido un caso...
Dame un abrazo..
Aruñame, el antebrazo..
Acaba..
Prendete como lava..
Y sin pensarlo, se mi esclava..
Dame un besito, con baba..
Que sepa a guayaba..
Ella no frega, ni lava..
Pero bailando es la brava..


(estribillo)


y final (donde te nombrara:"estamos con dj dios,el de las melodias celestiales a que te nombre ,date a conocer,no pierdas esa oportunidad.
tienes que mantener la melodia base,casi siempre es la del estribillo,pero hay casos que no.


bueno eso fue algo para que sepan de donde agarrar una acapella...pronto... "los secretos del dembow".
un beso enorme,suerte!!!!

El dembow al desnudo

El dembow al desnudo

En esta entrega te enseñare todo lo que debes saber acerca del dembow, desde lo basico.como crearlo, hasta los plugins que se usan para que suenen como tu los oyes en las grandes producciones!!!.
pero que es el dembow? existen miles de definiciones pero quiero que lo veas asi ,y como ? como "la esencia del reggaeton y lo que le da fuerza a cualquier cancion del genero"ok.



El dembow esta contituido por kicks,snares,timbales,hithats, y elementos complementario:maracas, bongoes,congas,ect.
pero quiero explayarme al 100%,es por eso que no pasare por alto nada!
antes que nada,entra a tu fl,pon el tempo entre 94 y 97,ya? empecemos!!!

kicks



en pocas palabra el kick es la base rítmica del reggaeton.suelen utilizarse dos como maximo,de lo contrario,se colocan superpuestos para darle mas fuerza.
donde:siempre,pero siempre,oiste,no?siempre se coloca cada 4 tiempos,es decir en el primer cuadradito gris de tu fl(primer kick) y en de la misma forma en los cuadraditos rojos(segundo kick) del step sequencer.(estamos hablando del dembow clasico,lo digo porque existen mutaciones en el reggaeton que suenan muy bien)




snare



Este es otro elemento básico de la percusión de reggaeton,y es sin dudas el que mas sobresale en cualquier cancion de reggaeton(salvo en el electroflow).
en el sequencer se coloca por defecto,en el ultimo gris y tercer rojo.oye, suena muy bien.



podemos variar mucho el dembow si sabemos utilizar el snare,mira:










como suena? maravillosamente genial!!! como veras tu puedes alterar como gustes los dembow,si combinas bien,podras obtener brillantes creaciones,intentalo!!!



timbal



es un sonido corto y ligeramente latoso,se combina a la perfeccion con el snare y el kick,este le da mas vida a tu dembow.En lo personal no utilizo mucho los timbales por una cuestion de gustos,pero es importante,muy importante.
su ubicacion no es estricta,pero te aconsejo que los coloques siempre entre los snears,o muy cerca de ellos mira:




hithat



es seco y abolsado,el hithat suele tener en algunos casos mucha participacion...demaciada,por que? en algunos dembows se coloca a lo largo,repetitivamente,observa:






superposicion








trucos con pluguins


ecualizacion de los kicks


los kicks aveces suenan con un retardo que hace que choquen con el sonido que sigue,por eso hay que ecualizarlo,como? con en el parametric EQ 2:



potencia a los dembows


cuando hacemos un dembow o utilizamos uno ya hecho,en ocaciones van a tiempo perfectamente pero el sonido no comvence,entonces entran en juego los plugins que te eseñare:

parametric EQ




mi favorito! es increible lo que cambia un dembow con plugins como estos!!! si colocas bien los parametros obtendras resultados profesionales,te lo aseguro.(no hay un parametro fijo porque cada dembow es distinto asi que ve probando).


stereo Enhancer




pocas opciones resultados gigantes,si lo que buscas es agresividad en tu dembow,este plugin es muy bueno para obtener esos resultados que buscas

si mezclas el stereo Enhancer y el parametric EQ,sin dudas conseguiras un dembow limpio y atrapante.


fruity limiter




sirve para darle un sonido mas profesional a tu track realzando algunas frecuencias y atenuando otras para evitar que tu pista final se sature por las ramas,ademas le da mas volumen,sin afectar la calidad del mismo.


bajos



Los bajos en el reggaeton:son secuencias melodicas casi imperseptibles al oido humano(si lo escuchamos sin auriculares,claro),que le dan ese no se que al dembow;si te hago escuchar un dembow con bajos y despues al mismo pero sin ellos,tu me diras son distintos!!!,pero son los mismos dembows,que al ponerle bajos difieren sonoricamente.
Es mas,te digo algo,no existe ningun hit de reggaeton que no tenga bajos en un dembow,es por eso que ninguno se parece al otro.
Hay bajos simples que se oyen de casualidad y los hay complejos,que directamente parecen una melodia,mira este tutorial de esta sensual dama que te traje para que no te quejes:

Fases en una producción musical

Cada vez más y más músicos están dejando de tener en cuenta lo que significa y las implicaciones que tiene realizar una producción musical. Supongo que los que me conocéis en persona ya me habréis oído decir eso de que hoy en día un alto porcentaje de discos que se lanzan son tan solo "maquetas de larga duración". El plasmar una obra musical en un soporte no solo significa llegar al estudio, grabar, mezclar, editar, masterizar y listo. Hay mucho más detrás de todo eso.

En esta entrada veremos que la producción musical se divide en diferentes fases, en qué consiste cada una  y quién está implicado en cada paso.

¿Qué es una obra musical y qué es un producto musical?

Antes de empezar a analizar el proceso de producción musical es bueno que nos paremos en definir qué es eso. Mucha gente tiende a confundir y a intercambiar los términos obra musical y producción musical.

Imaginemos a un escritor dramaturgo que decide escribir una nueva obra teatral. Lo primero que hará será decidir sobre qué va a tratar la obra, qué personajes van a aparecer y qué historia personal tiene cada uno, qué lugares van a frecuentar esos personajes para desarrollar la trama, en qué época emplazará la trama, ... Luego escribirá todo y como resultado tendrá el primer borrador, el cual leerá, hará correcciones y cambiará algunas partes fundamentales en la historia. Luego volverá a leer el resultado y seguirá haciendo correcciones hasta que se de por satisfecho. En ese momento estará completa la obra teatral.

Dicho escritor, como es normal, querrá que su obra sea representada en un teatro. Si tiene suerte y la obra es suficientemente buena para llamar la atención de algún profesional que se dedique a ello entrarán en juego los productores. Uno de ellos va a ser el productor teatral, que va a ser el encargado de coger la obra del escritor y llevarla a un escenario. Él se encargará de elegir al director, a los actores, al personal técnico, el tipo de escenarios, ...

El día del estreno, el escritor podrá ver su obra convertida en un producto.

Pues todo esto pasa casi exactamente igual en una producción musical. El músico va a ser quien va a generar la obra intelectual al componer un conjunto de canciones. Cuando esté satisfecho con los temas seguramente quiera plasmar esos temas en un producto, por lo que no le quedará más remedio que acercarse a un estudio de grabación.

En la actualidad se tiende a eliminar la figura del productor musical a la hora de realizar una grabación. Antes tan sólo era eliminado en los casos de la grabación de demos y maquetas, ahora en pocos discos se cuenta con la figura del productor.

Podemos definir por tanto la producción musical como todo el proceso que se lleva a cabo para convertir una obra musical en una producción musical. Y este trabajo es llevado a cabo por el productor musical.

La fase de preproducción

El proceso de producción musical empieza en el momento en el que el productor recibe una demo de la obra musical, ya sea en formato de audio o en partitura. En ese momento comienza la fase de preproducción.

Durante la preproducción el productor debe estar en contacto directo con los músicos implicados, ya que esta fase tiene casi totalmente un carácter artístico. En este momento es cuando se decide que temas compondrán la producción, que arreglos musicales son necesarios y que músicos intervendrán en la producción. Sin embargo, aunque como hemos dicho, la preproducción tiene una gran carga artística, el productor va a tener también que decidir sobre aspectos técnicos y financieros. El productor, en función de la forma que quiere que tenga la obra finalizada va a tener que decidir que ingenieros va a emplear en la producción, con que instrumentos va a tener que contar en las sesiones de grabación y en que estudios se va a desarrollar la grabación, la mezcla y la masterización.

Además el productor debe planificar todo el proceso de producción y lo que se va a tener que invertir para realizar la producción. Para ello deberá definir los calendarios, los costes de transporte, los costes de hospedaje, el material que se necesita alquilar, los sueldos que va a tener que pagar,... En el momento en el que se termine la preproducción, el productor debe tener todo listo para entrar a grabar en el estudio o estudios elegidos. Hay que tener en cuenta que cualquier fallo o retraso durante el proceso de grabación va a costar mucho dinero. Durante el proceso de preproducción se suelen realizar una serie de grabaciones llamadasmaquetas. Estas grabaciones no tienen que tener una gran calidad sonora ni musical, de hecho se suelen componer de primeras tomas sin revisar, las cuales se usan para determinar todas las pistas que se van a grabar durante la fase de producción y para valorar de forma objetiva todos los arreglos musicales que se han introducido durante la preproducción. En algunas ocasiones estas maquetas se graban y se mezclan en salas especializadas dentro de los mismos estudios donde se va a realizar la grabación de la obra musical o se realizan en pequeños estudios situados en la zona geográfica de origen de los músicos con el fin de reducir los costes.

La fase de producción

Si la fase de preproducción podemos considerar que va a determinar el 90% de la calidad artística de la obra musical, podemos decir que la fase de producción determina el 90% de la calidad técnica. Básicamente lafase de producción consiste en registrar los diferentes instrumentos musicales y elementos que componen la producción musical. Para que la calidad artística de la obra no se pierda durante la grabación hay que lograr que los músicos consigan una correcta interpretación musical en todas las tomas. Para ello es muy importante que las condiciones de trabajo sean las adecuadas, ya que el trabajo en un estudio de grabación puede llegar a ser muy estresante y cualquier contrariedad que sufra el músico mermará la calidad musical de las pistas grabadas. Por tanto es de vital importancia que el estudio ofrezca un ambiente de trabajo relajado mediante una estética adecuada, unas condiciones de temperatura y humedad óptimas,, la escucha del retorno durante la grabación de las tomas debe ser la correcta,... También es muy importante que el trato entre el personal implicado en la grabación sea correcto y que no se de pie a tensiones personales que puedan retrasar la producción y echen por tierra la calidad musical de la obra. Además cualquier problema técnico que pueda surgir debe quedar subsanado rápidamente para que el músico no pierda la concentración.

Mucha gente subestima la fase de producción alegando aquello de "ya lo arreglamos en las ediciones, en la mezcla, o si no que se coma el marrón el ingeniero de mastering". Esto es un grave error. Por un lado cuando se realizan las tomas por instrumentos es muy importante que no se hagan las cosas "porque si". Se debe tener claro donde se quiere llegar con el sonido, y por ejemplo si estamos tratando con una banda de heavy metal y se graban las guitarras con un Fender Twin, cuando nos escuchemos el resultado final después de masterizar las guitarras nos seguirán sonando fuera de lugar. Por otro lado las interpretaciones son muy importantes. Es un hecho el que durante las ediciones se corrigen cosas, pero una cosa es corregir y otra crear algo totalmente nuevo a partir de algo mal interpretado. Hay que tener en cuenta que repetir una toma lleva poco tiempo, pero editar algo que está mal grabado lleva mucho, con el consiguiente coste que eso implica.

También hay que tener en cuenta que esta fase es la más cara de todas, ya que hay implicado mucho personal, mucho equipo y diferentes instalaciones. Por tanto cualquier retraso puede acarrear importantes trastornos financieros, por lo que es de vital importancia cumplir con toda la planificación proyectada durante la fase de preproducción.

Como resultado de la fase de producción se obtiene el máster de grabación, el cual suele ser de gran ''tamaño'' ya que se compone de todas las pistas de todos los temas que componen la obra musical.

La fase de postproducción

Una vez que se ha realizado la grabación de todas las pistas comienza la última etapa del proceso de producción musical: la fase de postproducción. Durante esta fase se llevan a cabo tres procesos fundamentales: las ediciones, la mezcla y la masterización.

El primer paso de la postproducción es la edición de las pistas grabadas. En ella se lleva a cabo correcciones en tiempo y tono, limpieza de ruidos, elección de las mejores tomas, secuenciación de las tomas...

Durante el proceso de mezcla se manipulan las pistas del máster de grabación hasta que se obtiene el sonido deseado en cada tema. Hay que tener en cuenta que si durante el proceso de grabación lo que importaba era la calidad sonora de cada pista de forma individual, durante el proceso de mezcla lo que importa es el sonido de cada uno de los temas de los que se compone la producción de forma independiente. Por tanto habrá que modificar el sonido de cada una de las pistas que compone un tema hasta alcanzar el sonido en cada una que contribuya al ambiente sónico que se desea en el tema. Para ello el ingeniero de mezcla cuenta con todo el arsenal de procesadores que posea el estudio en el que se realizan las mezclas (ecualizadores, procesadores de dinámica, delays,...).

Como resultado del proceso de mezcla se obtienen los diferentes archivos o grabaciones en cinta estéreo correspondientes a los temas.

El proceso de masterización tiene como función adecuar el máster de mezcla para su explotación y difusión comercial. En el proceso de masterización por tanto se modifican las pistas estéreo correspondiente a cada tema, intentando conseguir que el sonido de la producción como conjunto de todos los temas tenga un sonido aceptable en cualquier equipo de reproducción y que haya cohesión, minimizando las diferencias sonoras entre tema y tema. La masterización también incluye el montaje final de la producción, definiendo el orden de los temas, la separación que hay entre ellos, limpiando inicios y finales de los temas y realizando fades donde los hubiera... Además es ingeniero de mastering es el encargado de introducir los códigos necesarios para que la obra pueda ser reproducida en cualquier aparato doméstico. Como resultado se obtiene el máster (aunque en realidad es un premáster, ya que el máster real lo realizan en la planta duplicadora). Ese premáster es el soporte que se enviará a la fábrica duplicadora y supone el final del proceso de producción.

Agentes implicados en cada una de las fases

• Fase de preproducción:

1. Compositor
2. Productor
3. Arreglista
4. Técnico del estudio donde se realicen las maquetas

• Fase de producción.

1. Compositor
2. Productor
3. Intérpretes
4. Ingeniero de grabación
5. Asistente de grabación

• Fase de postproducción

1. Productor
2. Técnico de ediciones
3. Ingeniero de mezcla
4. Ingeniero de mastering

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Aventura va en busca de nuevos cantantes

Aventura va en busca de nuevos cantantes (video)

El grupo Aventura seleccionará cuatro nuevos cantantes en audiciones internacionales

MIAMI.— Cuando todos seguían llorando la desaparición del grupo de bachata Aventura una luz se vio en el camino. Pero, ¿quién será el próximo Romeo?

El grupo regresará con cuatro nuevos cantantes que serán seleccionados en audiciones internacionales, anunció en un comunicado Franklin Romero, presidente del sello Premium Latin Music.

Las audiciones para elegir a los nuevos intérpretes de la agrupación se realizarán en Santo Domingo, República Dominicana; San Juan, Puerto Rico; San Pedro Zula, Honduras; Cartagena, Colombia; Caracas; Ciudad de Guatemala; Ciudad de México y Veracruz, México; así como en diferentes ciudades de EEUU que incluyen Nueva York, Miami, Chicago y Los Ángeles.

"Una vez sean seleccionados los nuevos integrantes, el nombre Aventura volverá a ser el mismo de antes, un sello distintivo de éxito", aseguró Romero en la misiva.

Aventura, conformada por Romeo Santos, Henry Santos, Lenny Santos y Max Santos (los últimos dos son hermanos), conquistó a millones de seguidores en Latinoamérica y países tan remotos como Holanda, Grecia, Eslovenia e Israel. El grupo se disolvió en 2011 y tras esto, Romeo Santos continuó con una exitosa carrera como solista.

La nueva generación de Aventura continuaría haciendo una bachata con un sonido que incluye las corrientes contemporáneas del género, agregó Premium Latin Music.